Oscuro dominio (4)
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    TRADUCCIÓN DE CARLOS VITALE

    La palabra se alcanza en el cuerpo. Para llegar a él, la escritora que es también niña, hija, suma de historia y contextos, necesita un lenguaje preciso, sin idealización pero abierto a las imágenes, crudo y cálido al tiempo. En esa búsqueda, supera el tópico de lo autobiográfico y expande el poema. Lovely es un recorrido por la memoria, las voces de la infancia en diálogo con la autora que afirma carne, voz y existencia autónoma, al tiempo que rinde homenaje –ejercicio de análisis y duelo necesario para ser– a la convicción personal en la palabra por encima de toda construcción cultural. Antònia Vicens dio a conocer su poesía con esta obra, inventario familiar que se confronta con el mar, con las figuras de la madre y, especialmente, del padre. La poeta conjuga lo recibido, lo rechazado y lo asumido a través de una poética abierta a la identidad desde la indagación en cuerpo y lenguaje.

    Antònia Vicens (Santanyí, 1941), escritora de las Islas Baleares, es una de las figuras más importantes de las letras catalanas. Se da a conocer literariamente en 1967 con su primera novela, 39º a l’ombra, galardonada con el premio Sant Jordi. Posteriormente publica Material de fulletó (1971), La festa de tots els morts (1974), La santa (1980), Primera comunió (1981), Quilòmetres de tul per a un cadàver, Gelat de maduixa (1984), Terra seca (1987), Febre alta (1988), Lluny del tren (2002), Ungles perfectes (2007) y Ànima de gos (2011). En 2005 reúne su narrativa breve en el volumen Tots els contes. Algunas de sus novelas se han traducido al alemán y al español, y sus narraciones se incluyen en antologías de Italia, Alemania y Hungría. Lovely, su primer poemario, apareció en 2009, seguido de Sota el paraigua el crit (2013), Fred als ulls (2015) y Tots dels cavalls (2017). En 1999 recibió, por el conjunto de su obra, la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña, así como el Premio Ramon Llull del Gobierno Balear (2004), el Premio Josep M. Llompart de la Obra Cultural Balear (2016) y el Premio Nacional de Cultura (2016).


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    ¿Puede el lenguaje poético materializarse como un cuerpo? ¿Puede ser inflexión, carne o textura? ¿Puede vencer la barrera del movimiento y traspasar la frontera escénica del papel? Ana Gorría pone en marcha estas preguntas en Nostalgia de la acción. Como premisa, el trabajo fílmico, coreográfico y escénico de la artista Maya Deren (1917-1961). En un diálogo explícito con algunas de sus piezas, el sujeto poético desenvuelve la variedad de sus personas verbales, la posibilidad física de la existencia en la palabra, las emociones humanas al calor de las emociones –acción, reacción– de un cuerpo móvil. Los dibujos de Marta Azparren introducen un tercer lenguaje que fija la indagación poética a la manera de un fotograma del gesto y añaden, en su propio estilo, una variación más en las lecturas posibles de Deren.

    Ana Gorría (Barcelona, 1979) es escritora y traductora. Ha publicado los textos Clepsidra (Córdoba, Plurabelle, 2004), Araña, en colaboración con la pintora Pepa Cobo y el compositor Juan Gómez Espinosa (Almería, El gaviero ediciones, 2005), De lo real y su contrario (Granada, Vitolas del Anaïs, 2007), El presente desnudo (Santiago de Chile, Cuadro de tiza ediciones, 2011) y La soledad de las formas (Cantabria, Sol y sombra poesía, 2013). Su trabajo crítico está recogido en Transportes (reseñas 2007-2010) (Sevilla, Isla de Siltolá, 2014). Como traductora es responsable de distintas versiones de poesía en lengua catalana, gallega e inglesa y es editora del volumen Novas_17 poetas, antología consultada de poesía en gallego.
    Su obra está presente en numerosos recuentos de la poesía última, el más reciente Panic Cure. Poetry from Spain for the 21th Century. Se encuentra en prensa una antología de su obra, Sky under construction. Selected poems que, traducida por Yvette Siegert, será publicada a a finales del 2017 por la editorial Alice James Books. En el ámbito plástico ha desarrollado junto a Raquel Jimeno el proyecto expositivo Gesto sin fin que se mostró como exposición temporal en el Museo de América el año 2013.


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    Con elementos esenciales –el agua, la arena, la luz, la palabra, el alacrán– se construye el amor. El desierto, sin embargo, no es clemente. Más allá de la vida, del duelo y de la noche oscura del alma, se extiende el poema que conjura la muerte y construye la memoria.
    El cuerpo, privado de aquel ser con el que se fraguó en el amor y en el deseo, restituye ante la pérdida su relación con la carne y con la nada; eremita de sí, se expulsa de lo vivo para aceptar, finalmente, la paz sencilla del poema.
    El ritmo justo, la palabra clara y el concepto hondo en el que resuena el venero de tradiciones poéticas plurales entre la mística, el romancero y la literatura andalusí, definen la poesía de Juan José Ceba, que Sara Torres lee y trae al ahora a través de Ser en luz.

    Juan José Ceba (Albox, 1951) es maestro jubilado, escritor, pedagogo y cartelista, además de vecino honorífico del barrio de pescadores de Almería, La Chanca, desde cuya escuela realizó una labor de agitación poética y ciudadana entre 1982 y su jubilación, tarea en la que logró involucrar a José Ángel Valente y Juan Goytisolo.
    Activo dinamizador de la vida cultural de su ciudad desde su barrio más maltratado, su obra se recoge en poemarios como Dunas (1991) o Claridad (1998), además de en antologías y otras publicaciones ya descatalogadas o de difícil acceso. Interesado, desde sus años de formación universitaria, por la cultura popular, el cante y la poesía de tradición andalusí, en su trayectoria acumula reconocimientos de la Junta de Andalucía, la Universidad de Almería o la Sociedad Española de Estudios Árabes.


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    La lengua es órgano a la vez que sistema comunicativo, estructura lingüística. A veces se habla, no siempre se escribe. La lengua es frontera, pasaporte. Es herramienta armada pero también camino del amor. La lengua comunica sólo cuando hace vibrar la nota exacta de un cuerpo y sirve a los otros para reconocer las trampas de la representación. Tiritañas y guiñapos es el tercer libro de poemas de Luis Melgarejo y un reencuentro con algunas de sus coordenadas estéticas más celebradas: el trabajo exquisito con el ritmo del poema, la recuperación de la oralidad que se humaniza en contra-épica, la memoria desposeída que se reivindica y alza en los textos. Este libro contiene a su vez una mirada crítica a la Europa cascarilla de sus bancos, la aguda conciencia del viaje -errancia de lo humano que es física, lingüística y literaria- o el amparo que ofrece la incertidumbre cálida de la paternidad.

    Luis Melgarejo (La Zubia, Granada, 1977) ha publicado los libros de poemas: Libro del cepo (Hiperión, Madrid, 2000), con el que obtuvo el XV Premio de Poesía Hiperión, y Los poemas del bloqueo (Cuadernos del Vigía, Granada, 2008; 2ª edición corregida y ampliada), que fue Premio Javier Egea de Poesía en 2005. Imparte talleres de creación literaria y animación lectora en bibliotecas, centros educativos y centros de enseñanza de adultos de toda Andalucía. En colaboración con el colectivo La Palabra Itinerante, investiga en el ámbito de la poesía escénica y de la pedagogía literaria y, junto con el guitarrista bonaerense Estaban Jusid y el artista plástico granadino Iván Izquierdo, saca adelante desde hace unos años Subdesarsur, espectáculo interdisciplinar que aúna poesía, música y pintura. Forma parte, además, del proyecto de economía social Enfrentico la iglesia S.C.A., cooperativa responsable del día a día de La Casa Con Libros, espacio plural que alberga semanalmente actividades culturales de toda índole.