Castellano (9)
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    Leemos a los poetas clásicos de otras lenguas como si fuesen contemporáneos nuestros, traducidos a un lenguaje actual que muchas veces prescinde de los patrones métricos, casi siempre de la rima, a pesar de que sean elementos caracterizadores de aquel tiempo y de sus obras. A contracorriente de la moda, la traducción que propone José Benito Álvarez-Buylla de las Canciones y sonetos de John Donne (1572-1631) recrea en español, para el lector de hoy, la poesía del londinense con los atributos que percibe el lector inglés: el rigor métrico, rima incluida, en el que se envuelve la «recreación del pensamiento en forma de sentimiento», como vio T. S. Eliot en la rehabilitación del poeta metafísico. Ausente de la mayoría de los repertorios bibliográficos españoles de la poesía de Donne, recuperamos esta traducción al español hecha en los años setenta del siglo xx. Álvarez-Buylla traduce a Donne para la cultura española en el preciso instante en que ésta empieza a interesarse por la modernidad de una poesía que, en palabras de Martín López-Vega, «tiene inteligencia y funciona, como lo hacen los mejores poemas de hoy, a modo de espejo. En Donne encontramos alguien con quien hablar y con quien discutir, con quien estar de acuerdo y con quien disentir. Donne no escribe poemas en los que reconocernos, sino en los que ponernos en duda para subir un escalón más en el camino a conocernos».

    José Benito Álvarez-Buylla (1916-1981) fue profesor de Literatura Inglesa en la Universidad de Oviedo. Formado en Derecho y con aspiraciones diplomáticas, en 1936 es detenido por su afinidad republicana y permanece en la cárcel tres años. Víctima de la represión interior en forma de purga y limitación laboral, reorienta su carrera hacia la enseñanza del inglés y de la literatura, convirtiéndose en referente y maestro de generaciones de estudiantes en Oviedo. Además de escribir poesía en asturiano, Álvarez-Buylla fue el gran estudioso de la canción tradicional asturiana, sobre la que realizó diversos trabajos musicológicos de importancia capital.


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    Fotografías de Enrique G. Cárdenas.

    Tradicionalmente viene considerándose que la representación cartográfica de Asturias ni era muy antigua ni muy abundante. Sin embargo, la curiosidad y el interés del fotógrafo Enrique G. Cárdenas, que se dedicó durante años a fotografiar todos los mapas de Asturias que encontraba a lo largo de sus ocupaciones, le permitieron juntar docenas de mapas, muchos de extraordinario interés y rareza. A la hora de encarar la publicación del libro que los reuniese, encargamos al Doctor en Historia por la Universidad de Oviedo Juan Sevilla, bajo la supervisión del Catedrático Francisco Quirós Linares (seguramente una de las máximas autoridades en el tema), que investigase, inventariase y ordenase todo el material, de tal manera que además de una edición hermosa y agradable a la vista, pudiésemos disponer de un estudio riguroso y tener la seguridad de que quedaban recogidos todos los mapas esenciales. El resultado no podía ser mejor: una obra de referencia, en la que tiene tanto peso el estudio introductorio como la reproducción de los mapas, consiguiendo una obra imprescindible en la biblioteca de cualquier persona interesada en Asturias: así nos vieron y así nos vimos a lo largo de la historia. El libro recoge la representación gráfica de todo el territorio asturiano en los últimos quinientos años.


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    Esta luz tan breve recoge una amplia selección de la poesía de Aurelio González Ovies, escrita a lo largo de las dos últimas décadas. Desde su primer libro, En presente (publicado en 1991), hasta los poemas inéditos de la sección última, El canto del mirlo, la poesía de González Ovies ha ido creciendo en volumen e intensidad hasta convertir a su autor en un poeta original, cercano casi siempre, de verso emocional y confidente, que algunas veces eleva el tono y se vuelve conceptual y alegórico. Su no adhesión a ninguna de las tendencias poéticas enfrentadas en España a finales del siglo XX le hizo quedarse en una tierra franca que le permitió profundizar con total libertad en su trabajo poético, crear una voz propia e inconfundible y ganarse el aprecio de numerosos lectores. Agotados todos sus libros, la presente edición permite volver sobre las obras esenciales de este escritor: Vengo del norte (1993), Nadie responde (1994), Nada (2001) o Tocata y fuga (2004), además de descubrir poemas magníficos editados en cuadernos o folletos de menor difusión. De su producción en asturiano se publican, casi de manera testimonial, nueve poemas. Esta selección, hecha por el propio autor, se completa con un prólogo del escritor Miguel Florián, que desvela, en tono poético, algunas de las claves principales de la poesía de Aurelio González Ovies, nacido en Bañugues, Asturias, en 1964 y doctor en Filología Clásica por la Universidad de Oviedo, donde es profesor titular de Latín.

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    Lêdo Ivo es uno de los nombres fundamentales de la poesía brasileña del último siglo, pero es mucho más que eso. Crítico agudo, narrador profundo, aforista chispeante, humorista escondido, su poesía infinita y multiforme da sólo uno de sus perfiles. En su prosa, que aparece antologada por primera vez en castellano en este Isla de mí, se descubre de cuerpo entero un intelectual independiente y brillante, irónico y hondo.
    Sus páginas memorialísticas evocan un Brasil que ya no existe con la maestría de los grandes narradores; en sus aforismos despunta la inteligencia afilada, el bisturí certero de un moralista melancólico y demasiado inteligente como para tomarse del todo en serio a sí mismo; sus páginas dedicadas a otros autores nos descubren a un lector sagaz que conoce bien los trucos del oficio. Si ha habido en Brasil un escritor total, su nombre es Lêdo Ivo.

    Lêdo Ivo (Maceió, 1918-Sevilla, 2012) es, junto a João Cabral de Melo Neto, el máximo representante de la conocida como Generación del 45, que sucedió al mítico Modernismo brasileño de Drummond de Andrade, Manuel Bandeira o Cecília Meireles. Autor de una extensa obra poética, narrativa, memorialística y ensayística, su poesía se encuentra ampliamente traducida al castellano. Sus tres últimos libros, Calima, Aurora y Relámpago (2011, 2012 y 2015), se publicaron antes en España que en Brasil, traducidos por Martín López-Vega. También se han traducido al español sus novelas La muerte de Brasil y Nido de serpientes (traducidas por Ángel Alonso para Vaso Roto).
    Unánimemente considerado un nombre capital de la poesía brasileña, fue además un intelectual brillante, independiente e irónico.


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    TRADUCCIÓN DE CARLOS VITALE

    La palabra se alcanza en el cuerpo. Para llegar a él, la escritora que es también niña, hija, suma de historia y contextos, necesita un lenguaje preciso, sin idealización pero abierto a las imágenes, crudo y cálido al tiempo. En esa búsqueda, supera el tópico de lo autobiográfico y expande el poema. Lovely es un recorrido por la memoria, las voces de la infancia en diálogo con la autora que afirma carne, voz y existencia autónoma, al tiempo que rinde homenaje –ejercicio de análisis y duelo necesario para ser– a la convicción personal en la palabra por encima de toda construcción cultural. Antònia Vicens dio a conocer su poesía con esta obra, inventario familiar que se confronta con el mar, con las figuras de la madre y, especialmente, del padre. La poeta conjuga lo recibido, lo rechazado y lo asumido a través de una poética abierta a la identidad desde la indagación en cuerpo y lenguaje.

    Antònia Vicens (Santanyí, 1941), escritora de las Islas Baleares, es una de las figuras más importantes de las letras catalanas. Se da a conocer literariamente en 1967 con su primera novela, 39º a l’ombra, galardonada con el premio Sant Jordi. Posteriormente publica Material de fulletó (1971), La festa de tots els morts (1974), La santa (1980), Primera comunió (1981), Quilòmetres de tul per a un cadàver, Gelat de maduixa (1984), Terra seca (1987), Febre alta (1988), Lluny del tren (2002), Ungles perfectes (2007) y Ànima de gos (2011). En 2005 reúne su narrativa breve en el volumen Tots els contes. Algunas de sus novelas se han traducido al alemán y al español, y sus narraciones se incluyen en antologías de Italia, Alemania y Hungría. Lovely, su primer poemario, apareció en 2009, seguido de Sota el paraigua el crit (2013), Fred als ulls (2015) y Tots dels cavalls (2017). En 1999 recibió, por el conjunto de su obra, la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña, así como el Premio Ramon Llull del Gobierno Balear (2004), el Premio Josep M. Llompart de la Obra Cultural Balear (2016) y el Premio Nacional de Cultura (2016).


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    ¿Puede el lenguaje poético materializarse como un cuerpo? ¿Puede ser inflexión, carne o textura? ¿Puede vencer la barrera del movimiento y traspasar la frontera escénica del papel? Ana Gorría pone en marcha estas preguntas en Nostalgia de la acción. Como premisa, el trabajo fílmico, coreográfico y escénico de la artista Maya Deren (1917-1961). En un diálogo explícito con algunas de sus piezas, el sujeto poético desenvuelve la variedad de sus personas verbales, la posibilidad física de la existencia en la palabra, las emociones humanas al calor de las emociones –acción, reacción– de un cuerpo móvil. Los dibujos de Marta Azparren introducen un tercer lenguaje que fija la indagación poética a la manera de un fotograma del gesto y añaden, en su propio estilo, una variación más en las lecturas posibles de Deren.

    Ana Gorría (Barcelona, 1979) es escritora y traductora. Ha publicado los textos Clepsidra (Córdoba, Plurabelle, 2004), Araña, en colaboración con la pintora Pepa Cobo y el compositor Juan Gómez Espinosa (Almería, El gaviero ediciones, 2005), De lo real y su contrario (Granada, Vitolas del Anaïs, 2007), El presente desnudo (Santiago de Chile, Cuadro de tiza ediciones, 2011) y La soledad de las formas (Cantabria, Sol y sombra poesía, 2013). Su trabajo crítico está recogido en Transportes (reseñas 2007-2010) (Sevilla, Isla de Siltolá, 2014). Como traductora es responsable de distintas versiones de poesía en lengua catalana, gallega e inglesa y es editora del volumen Novas_17 poetas, antología consultada de poesía en gallego.
    Su obra está presente en numerosos recuentos de la poesía última, el más reciente Panic Cure. Poetry from Spain for the 21th Century. Se encuentra en prensa una antología de su obra, Sky under construction. Selected poems que, traducida por Yvette Siegert, será publicada a a finales del 2017 por la editorial Alice James Books. En el ámbito plástico ha desarrollado junto a Raquel Jimeno el proyecto expositivo Gesto sin fin que se mostró como exposición temporal en el Museo de América el año 2013.


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    Partiendo de un hecho anecdótico (que Antonio Machado, Eliot y Ungaretti fueran alumnos del filósofo Henri Bergson) Martín López-Vega examina la presencia de la idea bergsoniana de la duración en los poetas más señalados del siglo XX. Si la duración es en el poema lo que la intensidad en la vida, ¿cómo la consiguen los grandes creadores? Esta pregunta guía una búsqueda minuciosa por la obra de poetas muy conocidos y otros no tanto, indagando en la conexión de la poesía con la pintura, desvelando genealogías ocultas, iluminando epifanías, redibujando el mapa de la relación entre la poesía occidental y la oriental y revisando el papel de los poetas en la construcción de la historia. Una lectura novedosa y sutil de la poesía de la segunda mitad del siglo XX que revela una nueva forma de entender la elegía.

    Martín López-Vega (Po de Llanes, Asturias, 1975) es autor de varios libros de poemas, resumidos en la antología Retrovisor (Papeles Mínimos, 2012). Con posterioridad ha aparecido La eterna cualquiercosa (Pre-Textos, 2014). Otros libros suyos recientes son la colección de traducciones Mapamundi. Poemas del siglo XX (La Isla de Siltolá, 2014), la recopilación de entrevistas literarias Extravagante tripulación (Impronta, 2013) o las crónicas viajeras de Libre para partir (Trabe, 2009). Crítico literario, mantiene el blog «Rima interna» en la página web de la revista El Cultural. Traductor, ha puesto en castellano, entre otros, a Eça de Queirós, Fernando Pessoa, Lêdo Ivo, Jorge de Sena, Eugénio de Andrade, Pier Paolo Pasolini, Charles Simic o Alessandra Lavagnino. Estudia y enseña en la universidad de Iowa.


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    Conocido sobre todo como poeta, José de Espronceda también escribió una novela histórica, mantuvo una incesante actividad política (que lo llevó al exilio) y colaboró en la prensa de su época. Esas colaboraciones periodísticas no se habían reunido hasta ahora en un volumen exento, perdidas entre sus obras completas. Este libro lo rescata como un periodista inteligente, irónico y capaz de una visión renovadora y global que no desmerece al lado de Larra. Desde el desopilante «De Gibraltar a Lisboa», narración de un viaje que termina con el poeta arrojando sus escasas monedas al río para no entrar pobre en ciudad tan magnífica, a «Portugal y España», un texto de honda raíz iberística casi nunca citado en los estudios del ramo, este es un libro que no había existido nunca y que reivindica a Espronceda, uno de nuestros poetas más importantes, también como un intelectual de altura capaz de meditar sobre los hechos de su tiempo con una mirada que sigue iluminando los de hoy.

    José de Espronceda (Almendralejo, 1808- Madrid, 1842) es uno de los principales representantes del movimiento romántico español. Exiliado por sus actividades intelectuales, vivió en Portugal e Inglaterra antes de instalarse en Francia, donde participaría en las oleadas revolucionarias de 1830 en París.
    Influido por los románticos ingleses escribió algunos de sus poemas más conocidos, como el extenso y narrativo El estudiante de Salamanca o el inacabado El Diablo Mundo. Autor también de una novela histórica, Sancho Saldaña, y de otro poema inacabado, El Pelayo, en octavas reales, son suyas algunas de las obras más conocidas del Romanticismo español, como la «Canción del Pirata», además de compaginar la escritura en prensa con sus actividades políticas.

     


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    Con elementos esenciales –el agua, la arena, la luz, la palabra, el alacrán– se construye el amor. El desierto, sin embargo, no es clemente. Más allá de la vida, del duelo y de la noche oscura del alma, se extiende el poema que conjura la muerte y construye la memoria.
    El cuerpo, privado de aquel ser con el que se fraguó en el amor y en el deseo, restituye ante la pérdida su relación con la carne y con la nada; eremita de sí, se expulsa de lo vivo para aceptar, finalmente, la paz sencilla del poema.
    El ritmo justo, la palabra clara y el concepto hondo en el que resuena el venero de tradiciones poéticas plurales entre la mística, el romancero y la literatura andalusí, definen la poesía de Juan José Ceba, que Sara Torres lee y trae al ahora a través de Ser en luz.

    Juan José Ceba (Albox, 1951) es maestro jubilado, escritor, pedagogo y cartelista, además de vecino honorífico del barrio de pescadores de Almería, La Chanca, desde cuya escuela realizó una labor de agitación poética y ciudadana entre 1982 y su jubilación, tarea en la que logró involucrar a José Ángel Valente y Juan Goytisolo.
    Activo dinamizador de la vida cultural de su ciudad desde su barrio más maltratado, su obra se recoge en poemarios como Dunas (1991) o Claridad (1998), además de en antologías y otras publicaciones ya descatalogadas o de difícil acceso. Interesado, desde sus años de formación universitaria, por la cultura popular, el cante y la poesía de tradición andalusí, en su trayectoria acumula reconocimientos de la Junta de Andalucía, la Universidad de Almería o la Sociedad Española de Estudios Árabes.


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    Decía Auden que cuando un autor escribe poesía o narrativa su idea del Paraíso es asunto suyo, pero en el momento en que empieza a hacer crítica literaria debe explicársela a sus lectores para que estos puedan cuestionar sus opiniones. Sobre su idea del Paraíso y sobre otros muchos asuntos personales conversa José Luis García Martín con Enrique Bueres en el prólogo a este volumen, en el que defiende los libros que ayudan a entender la vida, a hacer el mundo más habitable.

    José Luis García Martín sabe ver lo que pocos ven y dice lo que pocos se atreven a decir, aunque muchos lo piensen. Así, sin contemplaciones, escribe sobre viejas glorias y nuevos embelecos, siempre al servicio del lector, no de intereses amicales o editoriales, siempre maleducadamente sincero, siempre divertidamente impertinente.

    José Luis García Martín nació en Aldeanueva del Camino (Cáceres) en 1950. Es poeta, crítico literario, profesor de literatura en la Universidad de Oviedo, director de la revista Clarín y colaborador frecuente en la prensa cultural. Suyos son algunos de los estudios y antologías más influyentes sobre la poesía española contemporánea. Entre los primeros, La poesía figurativa, Café con libros, Cómo tratar y maltratar a los poetas, Punto de mira, Biblioteca circulante, Fernando Pessoa, sociedad ilimitada, Poetas del siglo XXI, Gabinete de lectura y Lecturas buenas y malas.

    Entre las antologías se encuentran Las voces y los ecos, Selección nacional, Treinta años de poesía española y La generación del 99. De sus más recientes publicaciones destacamos Presente continuo, poemas, Inventario de lugares propicios a la felicidad, notas de viaje, El arte de quedarse solo, diario, y Todo lo que se prodiga cansa, aforismos.